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Konzept, Regie, Choreografie: SE Struck, Alexandra Knieps; Choreografie, Performance: Anja Mueller, Clara Marie Müller; Komposition, Live-Sound: Maria Wildeis; Szenografie und Kostüm: Isabelle Marie Lange; Outside Eye: Johanna-Yasirra Kluhs; Künstlerische Assistenz: Lisa James; Licht: Fabian Eichner; Produktion: SEE! Kollektiv, Annalena Berger (transmissions GmbH), apricot production Nadine Freisleben

Das Leuchten / The Glow beginnt beim Körper als Archiv der Träume. Alle Menschen träumen. Fasziniert von der Idee des Social Dreaming lädt das SEE! Kollektiv die Zuschauer*innen dazu ein, in eine Welt des Unbewussten und Imaginären einzutauchen. Es ist eine Welt, in der sich jede*r verändern, verwandeln, etwas oder jemand anderes sein kann.

Die Performerinnen Anja Mueller und Clara Marie Müller verweben Traumfragmente aus eigenen und fremden Aufzeichnungen zu einer choreografischen Landschaft. Die Klangkünstlerin und DJane Maria Wildeis verwandelt dazu die Bewegungen der Performerinnen und des Raumes in digitale Klänge und rauschhafte Beats. Es pulsiert. Der Raum verändert sich. Es leuchtet!

Das Publikum ist eingeladen, auf diesem imaginären Teppich Platz zu nehmen und sich für einen Moment in einen Raum des eigenen Unbewussten fallen zu lassen.

Triggerwarnung: Träume finden statt!

Gefördert durch: NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Kunst und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Kultursekretariat, Kulturamt der Stadt Köln

In Kooperation mit: Ballhaus Ost, Berlin

seekollektiv.de

Foto: © SE Struck; Grafik: Sarah Keckeisen

Konzept, Regie, Choreografie: SE Struck, Alexandra Knieps; Choreografie, Performance: Anja Mueller, Clara Marie Müller; Komposition, Live-Sound: Maria Wildeis; Szenografie und Kostüm: Isabelle Marie Lange; Outside Eye: Johanna-Yasirra Kluhs; Künstlerische Assistenz: Lisa James; Licht: Fabian Eichner; Produktion: SEE! Kollektiv, Annalena Berger (transmissions GmbH), apricot production Nadine Freisleben

Das Leuchten / The Glow beginnt beim Körper als Archiv der Träume. Alle Menschen träumen. Fasziniert von der Idee des Social Dreaming lädt das SEE! Kollektiv die Zuschauer*innen dazu ein, in eine Welt des Unbewussten und Imaginären einzutauchen. Es ist eine Welt, in der sich jede*r verändern, verwandeln, etwas oder jemand anderes sein kann.

Die Performerinnen Anja Mueller und Clara Marie Müller verweben Traumfragmente aus eigenen und fremden Aufzeichnungen zu einer choreografischen Landschaft. Die Klangkünstlerin und DJane Maria Wildeis verwandelt dazu die Bewegungen der Performerinnen und des Raumes in digitale Klänge und rauschhafte Beats. Es pulsiert. Der Raum verändert sich. Es leuchtet!

Das Publikum ist eingeladen, auf diesem imaginären Teppich Platz zu nehmen und sich für einen Moment in einen Raum des eigenen Unbewussten fallen zu lassen.

Triggerwarnung: Träume finden statt!

Gefördert durch: NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Kunst und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Kultursekretariat, Kulturamt der Stadt Köln

In Kooperation mit: Ballhaus Ost, Berlin

seekollektiv.de

Foto: © SE Struck; Grafik: Sarah Keckeisen

Konzept, Regie, Choreografie: SE Struck, Alexandra Knieps; Choreografie, Performance: Anja Mueller, Clara Marie Müller; Komposition, Live-Sound: Maria Wildeis; Szenografie und Kostüm: Isabelle Marie Lange; Outside Eye: Johanna-Yasirra Kluhs; Künstlerische Assistenz: Lisa James; Licht: Fabian Eichner; Produktion: SEE! Kollektiv, Annalena Berger (transmissions GmbH), apricot production Nadine Freisleben

Das Leuchten / The Glow beginnt beim Körper als Archiv der Träume. Alle Menschen träumen. Fasziniert von der Idee des Social Dreaming lädt das SEE! Kollektiv die Zuschauer*innen dazu ein, in eine Welt des Unbewussten und Imaginären einzutauchen. Es ist eine Welt, in der sich jede*r verändern, verwandeln, etwas oder jemand anderes sein kann.

Die Performerinnen Anja Mueller und Clara Marie Müller verweben Traumfragmente aus eigenen und fremden Aufzeichnungen zu einer choreografischen Landschaft. Die Klangkünstlerin und DJane Maria Wildeis verwandelt dazu die Bewegungen der Performerinnen und des Raumes in digitale Klänge und rauschhafte Beats. Es pulsiert. Der Raum verändert sich. Es leuchtet!

Das Publikum ist eingeladen, auf diesem imaginären Teppich Platz zu nehmen und sich für einen Moment in einen Raum des eigenen Unbewussten fallen zu lassen.

Triggerwarnung: Träume finden statt!

Gefördert durch: NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Kunst und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Kultursekretariat, Kulturamt der Stadt Köln

In Kooperation mit: Ballhaus Ost, Berlin

seekollektiv.de

Foto: © SE Struck; Grafik: Sarah Keckeisen

Violine: Johannes Haase; Viola: Alba González Becerra; Cello: Elio Herrera (Gast); Schlagzeug: Ramón Gardella; Electronik: Francisco C. Goldschmidt

Musik#Malerei ist ein Porträtkonzert des griechischen Komponisten Ioannis Mitsialis. Sein Arbeitskonzept konzentriert sich auf die mögliche Vieldeutigkeit zwischen vorder- und hintergründigen Klangereignissen in musikalischen Texturen sowie auf die Parallelen dieser Idee im Bereich der Malerei. Zwei seiner Werke werden am Konzertabend uraufgeführt.

Daneben werden das Streichtrio Lalayi von Farzia Fallah (Iran), Vent Nocturne für Viola solo und Elektronik von Kaija Saariaho (Finnland) sowie eine Uraufführung von Francisco C. Goldschmidt (Chile) für verstärkte Violine und Video (Nicolás Rupcich) gespielt – allesamt Werke, die ebenfalls eine starke Beziehung zwischen Musik und Malerei aufweisen.

Gefördert durch: Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln

kommas-ensemble.de

Wie klingt die Borealis Norwegens? Marta Zapparoli verwendet eigene Field Recordings natürlicher VLF-Radiophänomene, die speziell von den Nordlichtern Norwegens stammen. In Kombination mit einem selbstgebauten Kristallradio sowie Licht, Detektoren und Motoren wird eine audiovisuelle Borealis simuliert. Elektromagnetische Strahlungen und Lichter werden zu Echtzeit-Tongeneratoren.

Marta Zapparoli ist eine italienische Klang- und Radiokünstlerin, Improvisatorin, Performerin und Klangforscherin mit Lebensmittelpunkt in Berlin. Poetische und konzeptionelle Ebenen prägen ihre audiovisuellen Projekte.

Eine Veranstaltung des Programms cckpt • sound art • datasonification • 18.04.–08.05.2024 • Düsseldorf • Köln

Gefördert durch: Musikfonds mit Projektmitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien; Kunststiftung NRW

gerngesehen.de, martazapparoli.klingt.org

Foto: © Udo Siegfriedt

Regie, Künstlerische Leitung: Svetlana Fourer; Schauspiel: Yaroslava Gorobey; Musik: Matthias Bernhold; Dramaturgie: Florence Herrmann; Choreografie: Ilona Pászthy; Video: Lisa Domin; Bühnenbild: Hanna Beck; Beratung: Stella Shcherbatova; Produktionsleitung: Gabi Linde; Regieassistenz: Yonca Sicimoglu

„Mein Vater hat geschwiegen. Er sprach nicht und ich fragte nicht. Ich war noch ein Kind. Mein Vater wollte mich schützen, glaube ich.“

Heute, Jahrzehnte später, möchte die Regisseurin Svetlana Fourer wissen, was sie nicht wissen durfte. „Aber es prägt mich die Angst, Unsagbares zu erfahren und Unbegreifliches zu ertragen. Ich erfuhr, was meiner Familie widerfahren ist. Ich will verstehen, welche Spuren die Shoah in den nachfolgenden Generationen hinterlässt. Mein Onkel schwieg nicht. Und ich tue es ihm gleich.”

Ein Theaterstück über das Nicht-Wissen-Dürfen, die Angst des Erfahrens, über die Wucht des Wissens und die Suche nach dem Weg, damit umzugehen.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln

sommerblut.de

Foto: © USC Shoah Foundation

Regie, Künstlerische Leitung: Svetlana Fourer; Schauspiel: Yaroslava Gorobey; Musik: Matthias Bernhold; Dramaturgie: Florence Herrmann; Choreografie: Ilona Pászthy; Video: Lisa Domin; Bühnenbild: Hanna Beck; Beratung: Stella Shcherbatova; Produktionsleitung: Gabi Linde; Regieassistenz: Yonca Sicimoglu

„Mein Vater hat geschwiegen. Er sprach nicht und ich fragte nicht. Ich war noch ein Kind. Mein Vater wollte mich schützen, glaube ich.“

Heute, Jahrzehnte später, möchte die Regisseurin Svetlana Fourer wissen, was sie nicht wissen durfte. „Aber es prägt mich die Angst, Unsagbares zu erfahren und Unbegreifliches zu ertragen. Ich erfuhr, was meiner Familie widerfahren ist. Ich will verstehen, welche Spuren die Shoah in den nachfolgenden Generationen hinterlässt. Mein Onkel schwieg nicht. Und ich tue es ihm gleich.”

Ein Theaterstück über das Nicht-Wissen-Dürfen, die Angst des Erfahrens, über die Wucht des Wissens und die Suche nach dem Weg, damit umzugehen.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln

sommerblut.de

Foto: © USC Shoah Foundation

Konzept, Choreografie, Masken: Sonia Franken, Gonzalo Barahona

El Cuco Projekt: Performance: Mohamed Moodimbi, Tamora Dinklage, Margherita Dello Sbarba; Komposition: Jörg Ritzenhoff; Kostüm: Lena Thelen; Dramaturgie: Li Kemme; Trailer, Fotos, Videodokumentation: Julia Franken; Licht: Roman Sroka; Produktion: Sonia Franken

Das El Cuco Projekt präsentiert seine neuen Kreaturen: Die Kühe Mata und Dora stehen sich auf dem Tennis-Court gegenüber und erwecken das ausgestorbene europäische Wildrind – den Auerochsen – buchstäblich aus Knochen wieder zum Leben. Die Urkühe vermitteln mit naturalistischer und sinnlicher Präzision, wie die Auerochsen ihren Alltag erleben. Die wilden Kühe mit menschlichen Körpern leben, atmen, spüren die Umwelt. Sie schwingen mit Schwanz, Kopf, Wirbelsäule und Tennisschläger, um ein sehr ungewöhnliches Tennis-Match vorzubereiten. Selbst das Publikum kommt nicht umhin, seinen Kopf zu schwingen, um dieses Match zu verfolgen, das zwischen Konfrontation und Kollaboration schwankt. Hinzu kommt ein unerwarteter Gast, der ursprünglich der Schiedsrichter des Spiels hätte sein sollen. Doch weil er sich ständig im Hier und Jetzt befindet, ist er zu spät dran, um über das Ergebnis des Spiels zu bestimmen. Das Publikum wird selbst entscheiden müssen.

Das El Cuco Projekt erhielt 2023 eine Strukturförderung der RheinEnergieStiftung Kultur. Mit Unterstützung von Barnes Crossing e.V.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

www.elcucoprojekt.com

Foto: © Julia Franken

Konzept, Choreografie, Masken: Sonia Franken, Gonzalo Barahona

El Cuco Projekt: Performance: Mohamed Moodimbi, Tamora Dinklage, Margherita Dello Sbarba; Komposition: Jörg Ritzenhoff; Kostüm: Lena Thelen; Dramaturgie: Li Kemme; Trailer, Fotos, Videodokumentation: Julia Franken; Licht: Roman Sroka; Produktion: Sonia Franken

Das El Cuco Projekt präsentiert seine neuen Kreaturen: Die Kühe Mata und Dora stehen sich auf dem Tennis-Court gegenüber und erwecken das ausgestorbene europäische Wildrind – den Auerochsen – buchstäblich aus Knochen wieder zum Leben. Die Urkühe vermitteln mit naturalistischer und sinnlicher Präzision, wie die Auerochsen ihren Alltag erleben. Die wilden Kühe mit menschlichen Körpern leben, atmen, spüren die Umwelt. Sie schwingen mit Schwanz, Kopf, Wirbelsäule und Tennisschläger, um ein sehr ungewöhnliches Tennis-Match vorzubereiten. Selbst das Publikum kommt nicht umhin, seinen Kopf zu schwingen, um dieses Match zu verfolgen, das zwischen Konfrontation und Kollaboration schwankt. Hinzu kommt ein unerwarteter Gast, der ursprünglich der Schiedsrichter des Spiels hätte sein sollen. Doch weil er sich ständig im Hier und Jetzt befindet, ist er zu spät dran, um über das Ergebnis des Spiels zu bestimmen. Das Publikum wird selbst entscheiden müssen.

Das El Cuco Projekt erhielt 2023 eine Strukturförderung der RheinEnergieStiftung Kultur. Mit Unterstützung von Barnes Crossing e.V.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

www.elcucoprojekt.com

Foto: © Julia Franken

Choreographie: Stephanie Felber, Nikos Konstantakis; Dramaturgie: Nele Beckmann; Tanz: Natalia Bulatova; Kostümbild: Lilli Manz; Videokunst: Lisa Reutelsterz

Bist du „ein kerngesundes Weib, Mutter mit tausend Augen, tausend Händen“? – Was die junge Braut Pucki sich 1935 vornahm, fällt heute unter die Begriffe Multitasking und Selbstoptimierung. Zwischen Überforderung und Hingabe ist frau Meisterin der widersprüchlichen Erwartungen. Zum einen soll sie Familie, Karriere und Haushalt parallel jonglieren, zum anderen wurde ihr früher der Zugang zu Universitäten verweigert, weil Frauenhirne nicht in der Lage seien, mehrere Aufgaben gleichzeitig zu erledigen („Sex in Education“, 1873). Wie passen diese Ideen über die „Natur der Frau“ zusammen? Woher stammen die Bilder, die wir mit Weiblichkeit und dem Leben von Frauen verbinden?

In der Tanzperformance fem:me setzt sich das Künstler*innenkollektiv DIPHTHONG mit den gängigen Frauenbildern der 1950er Jahre auseinander und stellt diesen ein echtes Frauenleben gegenüber. Auf einer Zeitreise entlang literarischer Ankerpunkte reflektiert die Performance Schöpfung, Rezeption und Resonanz eines Rollenbildes.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste – Focus Ukrainian Artists II

diphthong.art

Foto: © Alessandro De Matteis

Choreographie: Stephanie Felber, Nikos Konstantakis; Dramaturgie: Nele Beckmann; Tanz: Natalia Bulatova; Kostümbild: Lilli Manz; Videokunst: Lisa Reutelsterz

Bist du „ein kerngesundes Weib, Mutter mit tausend Augen, tausend Händen“? – Was die junge Braut Pucki sich 1935 vornahm, fällt heute unter die Begriffe Multitasking und Selbstoptimierung. Zwischen Überforderung und Hingabe ist frau Meisterin der widersprüchlichen Erwartungen. Zum einen soll sie Familie, Karriere und Haushalt parallel jonglieren, zum anderen wurde ihr früher der Zugang zu Universitäten verweigert, weil Frauenhirne nicht in der Lage seien, mehrere Aufgaben gleichzeitig zu erledigen („Sex in Education“, 1873). Wie passen diese Ideen über die „Natur der Frau“ zusammen? Woher stammen die Bilder, die wir mit Weiblichkeit und dem Leben von Frauen verbinden?

In der Tanzperformance fem:me setzt sich das Künstler*innenkollektiv DIPHTHONG mit den gängigen Frauenbildern der 1950er Jahre auseinander und stellt diesen ein echtes Frauenleben gegenüber. Auf einer Zeitreise entlang literarischer Ankerpunkte reflektiert die Performance Schöpfung, Rezeption und Resonanz eines Rollenbildes.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste – Focus Ukrainian Artists II

diphthong.art

Foto: © Alessandro De Matteis

Choreographie: Stephanie Felber, Nikos Konstantakis; Dramaturgie: Nele Beckmann; Tanz: Natalia Bulatova; Kostümbild: Lilli Manz; Videokunst: Lisa Reutelsterz

Bist du „ein kerngesundes Weib, Mutter mit tausend Augen, tausend Händen“? – Was die junge Braut Pucki sich 1935 vornahm, fällt heute unter die Begriffe Multitasking und Selbstoptimierung. Zwischen Überforderung und Hingabe ist frau Meisterin der widersprüchlichen Erwartungen. Zum einen soll sie Familie, Karriere und Haushalt parallel jonglieren, zum anderen wurde ihr früher der Zugang zu Universitäten verweigert, weil Frauenhirne nicht in der Lage seien, mehrere Aufgaben gleichzeitig zu erledigen („Sex in Education“, 1873). Wie passen diese Ideen über die „Natur der Frau“ zusammen? Woher stammen die Bilder, die wir mit Weiblichkeit und dem Leben von Frauen verbinden?

In der Tanzperformance fem:me setzt sich das Künstler*innenkollektiv DIPHTHONG mit den gängigen Frauenbildern der 1950er Jahre auseinander und stellt diesen ein echtes Frauenleben gegenüber. Auf einer Zeitreise entlang literarischer Ankerpunkte reflektiert die Performance Schöpfung, Rezeption und Resonanz eines Rollenbildes.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste – Focus Ukrainian Artists II

diphthong.art

Foto: © Alessandro De Matteis

Choreographie: Stephanie Felber, Nikos Konstantakis; Dramaturgie: Nele Beckmann; Tanz: Natalia Bulatova; Kostümbild: Lilli Manz; Videokunst: Lisa Reutelsterz

Bist du „ein kerngesundes Weib, Mutter mit tausend Augen, tausend Händen“? – Was die junge Braut Pucki sich 1935 vornahm, fällt heute unter die Begriffe Multitasking und Selbstoptimierung. Zwischen Überforderung und Hingabe ist frau Meisterin der widersprüchlichen Erwartungen. Zum einen soll sie Familie, Karriere und Haushalt parallel jonglieren, zum anderen wurde ihr früher der Zugang zu Universitäten verweigert, weil Frauenhirne nicht in der Lage seien, mehrere Aufgaben gleichzeitig zu erledigen („Sex in Education“, 1873). Wie passen diese Ideen über die „Natur der Frau“ zusammen? Woher stammen die Bilder, die wir mit Weiblichkeit und dem Leben von Frauen verbinden?

In der Tanzperformance fem:me setzt sich das Künstler*innenkollektiv DIPHTHONG mit den gängigen Frauenbildern der 1950er Jahre auseinander und stellt diesen ein echtes Frauenleben gegenüber. Auf einer Zeitreise entlang literarischer Ankerpunkte reflektiert die Performance Schöpfung, Rezeption und Resonanz eines Rollenbildes.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste – Focus Ukrainian Artists II

diphthong.art

Foto: © Alessandro De Matteis

Doppelvorführung mit den Stücken Kein Ende und A Universal Reaction

Kein Ende ist ein 45-minütiges Solo, choreografiert von Carla Jordão. Es verkörpert besondere Momente im Leben der Künstlerin Sonia Mota, heute 74 Jahre alt.

„Während meines bisherigen Lebens hat sich mein Körper einem sehr turbulenten und beharrlichen Geist angepasst. In meinem jetzigen Lebensjahrzehnt fängt mein Geist an, sich an meinen Körper anzupassen. Meine (Art und) Weise, mich im Tanz auszudrücken, ist jetzt viel gelassener geworden. (…) Und so ist mein Tanz mit der Zeit viel intimer und essentieller geworden. So ergänzen und erneuern sich die Lebenszyklen.” – Sonia Mota

Das Duo A Universal Reaction untersucht die Emotion Angst als Bewegung. Ängste bewegen Körper. Sie sind Bewegungen in Körpern, und sie bewegen sich zwischen Körpern. Sie formen Körper und zeichnen deren Haltungen. Indem das Stück Ängste choreografisch in Szene setzt, erzählt es nicht nur von kulturellen Lebensräumen und sozialen Mächten; es zeigt in einem Wechselspiel von Aktion und Reaktion auch die körperlichen Grenzen der Angst.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, RheinEnergieStiftung Kultur, Sommerblut Festival

species.group, carlajordao.com

Foto: © Luise Flügge

Doppelvorführung mit den Stücken Kein Ende und A Universal Reaction

Kein Ende ist ein 45-minütiges Solo, choreografiert von Carla Jordão. Es verkörpert besondere Momente im Leben der Künstlerin Sonia Mota, heute 74 Jahre alt.

„Während meines bisherigen Lebens hat sich mein Körper einem sehr turbulenten und beharrlichen Geist angepasst. In meinem jetzigen Lebensjahrzehnt fängt mein Geist an, sich an meinen Körper anzupassen. Meine (Art und) Weise, mich im Tanz auszudrücken, ist jetzt viel gelassener geworden. (…) Und so ist mein Tanz mit der Zeit viel intimer und essentieller geworden. So ergänzen und erneuern sich die Lebenszyklen.” – Sonia Mota

Das Duo A Universal Reaction untersucht die Emotion Angst als Bewegung. Ängste bewegen Körper. Sie sind Bewegungen in Körpern, und sie bewegen sich zwischen Körpern. Sie formen Körper und zeichnen deren Haltungen. Indem das Stück Ängste choreografisch in Szene setzt, erzählt es nicht nur von kulturellen Lebensräumen und sozialen Mächten; es zeigt in einem Wechselspiel von Aktion und Reaktion auch die körperlichen Grenzen der Angst.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, RheinEnergieStiftung Kultur, Sommerblut Festival

species.group, carlajordao.com

Foto: © Luise Flügge

Der Osteingang des E.v.B.-Gymnasiums in Wipperfürth/NRW war Pausenraum und Rückzugsort gleichermaßen. Dort wurde während der 1980er Jahre in jeder Pause schnell eine Zigarette geraucht, bevor es mit dem Unterricht weiterging.

Dieser Ort ist Ausgangspunkt für eine Erinnerungs- und Theaterarbeit. Der Schauspieler und Musiker Oliver Bedorf sowie die Fotografin Julia Horn besuchten zehn ehemalige Mitschülerinnen und Mitschüler. Sie haben diese Menschen in ihrem jetzigen Lebensumfeld porträtiert und Interviews geführt. Im Nachspüren aus heutiger Sicht ging es um die Sehnsüchte, Ideen und Träume von damals – und darum, was daraus geworden ist.

Mit den gesammelten Bildern und Tonaufnahmen entsteht auf der Bühne ein neuer Osteingang in Form eines Archivs. Vier  Performer*innen erzählen, singen und tanzen zu den Erinnerungen aus der Schulzeit. Und das Publikum darf selbst im Archiv stöbern.

Gefördert durch: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln

osteingang.de

Foto: © Julia Horn

Der Osteingang des E.v.B.-Gymnasiums in Wipperfürth/NRW war Pausenraum und Rückzugsort gleichermaßen. Dort wurde während der 1980er Jahre in jeder Pause schnell eine Zigarette geraucht, bevor es mit dem Unterricht weiterging.

Dieser Ort ist Ausgangspunkt für eine Erinnerungs- und Theaterarbeit. Der Schauspieler und Musiker Oliver Bedorf sowie die Fotografin Julia Horn besuchten zehn ehemalige Mitschülerinnen und Mitschüler. Sie haben diese Menschen in ihrem jetzigen Lebensumfeld porträtiert und Interviews geführt. Im Nachspüren aus heutiger Sicht ging es um die Sehnsüchte, Ideen und Träume von damals – und darum, was daraus geworden ist.

Mit den gesammelten Bildern und Tonaufnahmen entsteht auf der Bühne ein neuer Osteingang in Form eines Archivs. Vier  Performer*innen erzählen, singen und tanzen zu den Erinnerungen aus der Schulzeit. Und das Publikum darf selbst im Archiv stöbern.

Gefördert durch: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln

osteingang.de

Foto: © Julia Horn

Mit Moritz Wesp, Eric Haupt, Victor Gelling, Pablo Gīw, Leonhard Huhn, Christian Lorenzen, Marcus Zilz, Pedro Ramírez, Akiko Ahrendt, Florian Zwißler

Im Zentrum von RE:Reunion steht ein mit Sensoren ausgestattetes und modifiziertes Schachbrett. Acht Musiker*innen und Schachvernarrte spielen schnelles Blitzschach und improvisierte Musik. Über das Schachbrett sind sie miteinander verbunden. Basierend auf der Position der Schachfiguren entsteht ein komplexes System aus sich verändernden Audiosignal-Verbindungen, das es den Musiker*innen ermöglicht, sich gegenseitig zu modulieren und zu manipulieren. Ein Schachzug kann somit außerordentlich gut klingen und ein Klang kann die Schachspieler*innen aus ihrer tiefen Konzentration reißen.

Das eingespeiste Instrumentarium umfasst selbstgebaute analoge und digitale Synthesizer, modulare Systeme, Sprache, Sampler, Keyboards, E-Gitarren, E-Geigen, Spielzeuginstrumente und vieles mehr.

RE:Reunion ist eine Weiterführung und Variation von Reunion, einer Performance von John Cage, Lowell Cross und anderen aus dem Jahr 1968. Die Neuauflage nimmt das Original als grobe technische Vorlage und verhandelt neue ästhetische Fragen.

Gefördert durch: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

nowmylifeissweetlikecinnamon.com

Foto: © Nathan Ishar

Mit Moritz Wesp, Eric Haupt, Victor Gelling, Pablo Gīw, Leonhard Huhn, Christian Lorenzen, Marcus Zilz, Pedro Ramírez, Akiko Ahrendt, Florian Zwißler

Im Zentrum von RE:Reunion steht ein mit Sensoren ausgestattetes und modifiziertes Schachbrett. Acht Musiker*innen und Schachvernarrte spielen schnelles Blitzschach und improvisierte Musik. Über das Schachbrett sind sie miteinander verbunden. Basierend auf der Position der Schachfiguren entsteht ein komplexes System aus sich verändernden Audiosignal-Verbindungen, das es den Musiker*innen ermöglicht, sich gegenseitig zu modulieren und zu manipulieren. Ein Schachzug kann somit außerordentlich gut klingen und ein Klang kann die Schachspieler*innen aus ihrer tiefen Konzentration reißen.

Das eingespeiste Instrumentarium umfasst selbstgebaute analoge und digitale Synthesizer, modulare Systeme, Sprache, Sampler, Keyboards, E-Gitarren, E-Geigen, Spielzeuginstrumente und vieles mehr.

RE:Reunion ist eine Weiterführung und Variation von Reunion, einer Performance von John Cage, Lowell Cross und anderen aus dem Jahr 1968. Die Neuauflage nimmt das Original als grobe technische Vorlage und verhandelt neue ästhetische Fragen.

Gefördert durch: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

nowmylifeissweetlikecinnamon.com

Foto: © Nathan Ishar